还魂明朝五百年前的体香(转载)

（来源：时尚先生 2008年第10期下）文章长 还请各位用心看完！这是个被误解的年代，充满谜团。就像一部巨大的舞台剧，当你厌倦了没完没了的充满黑暗阴谋的宫闱戏，将目光投向舞台下，无意发现了另一个明朝，这个明朝光彩夺目，华美无法逼视。糜烂不堪的帝王将相的明朝，已成旧戏单的背景，但风雅精致的井市街巷的明朝，却和我们有草蛇灰线的联系。白寿彝修《中国通史》时曾大惑不解：为何明朝自万历以后，政治已腐败至极，而经济、思想、文化却空前兴旺发达？明朝覆亡后，当时人们心情是“天崩地坼”。历朝历代少有末代王朝的臣民用这样的语言形容。也许当时经济文化太发达了，人们还处于一场迷醉的梦中。这是中国五千年前所未有的怪现象。这是一场被中断的大梦，关于中国自行进化到现代社会的梦，当金人的后裔在进行“扬州十日”、“嘉定三屠”的血腥扫荡时，他们杀掉的不仅是成千上万江南汉人，更是中国历史的另一种可能性。今天，当中国人重新开启这扇被尘封350年的大门时，我们才发现那个时代的优雅。他们曾创造了那么璀璨的文明，而或许，对于站在同一扇大门的我们正面临着同样的困境。这注定是一个迷惘的时代，一个疯狂的时代，一个绝无仅有的年代，一个最坏的也是最好的年代。你知道400年前一个时尚的中国人的生活吗？今天，在昔日的皇家粮仓，正有一群人试图将昆曲这个当年最情色也是最风雅的文人时尚带回到中国现代的语境，厅堂版《牡丹亭》，穿越500年时空，来到在这个充满了600年的米香的幽深空间，传唱着属于中国人自己的风流倜傥；还有人在收集明代的优雅，修复几百年前古人的文物，和古人对话⋯⋯他们同样在寻找生命的终极意义。在追逐时尚的路途上，在这个中国近百年最和平繁华的年代，我们却有一种时尚的落寞感。现在已经有一批人正在试图还原已经斑驳的明朝文人的理想，因为他们，我们感到了希望。王翔：昆曲是魔幻，也是现实2003年前当王翔开车从平安大街上经过南新仓，在一片夕阳中看到硕大的灰瓦和凝重得像长城一样的砖墙组成的建筑群，从小就在这一带长大的他居然从没见过这些古建筑！这片瓦，这堵墙，就像凭空从地里长出来，实际它已静静伫立了600年。这些粮仓是明永乐七年(1409年)在元代北太仓基础上始建，比紫禁城还大了10岁。南新仓古仓群原有200多个，现仅存8个，这些仓库有不同的命运，有的拆掉了，现在留下来的原来是百货公司的仓库，由于公司没钱拆建，才保留下来。兴奋的王立刻用200万买下10年经营权，他甚至还不知道拿它做什么，但预感到这将是他最有意义的一笔投资。有人建议他做一个以“吉祥三宝”为主题的蒙古酒吧，那是他当年推广的得意之作。但他总觉得有一种有剑鞘无宝剑的遗憾。直到他在苏州第一次看昆曲《牡丹亭》的“惊梦”，一切才“水落石出”。只有十分钟，但王翔就被深深震撼，几百年前的一个戏，完全超越了时空，故事结构大胆、前卫，完全甚至超越了当代魔幻现实主义的作品。他立刻知道自己要做什么了。“在600年历史的遗址中上演着600岁的非物质遗产！”这个奇妙的嫁接，使无生命气息的远古建筑和将朽的古老戏曲，成为穿越时空而来的鲜活生命，重现几个朝代的鸳鸯旧梦、续未了情缘。仔细想想，两者契合之处太多了：“首先时间上，昆曲诞生于元末明初，皇家粮仓也是这时建立的，都是600年；第二，从空间上来说，明代的皇家粮仓是大运河的终点站，几百年后，百戏之祖也北上回到北京。”体香的文明他投入了将近1000万元，打造厅堂版《牡丹亭》。昆曲最初就来自明代江南时尚。一个大户人家拥有一座园林，养个昆曲家班，三五知己或同族雅集宴饮⋯⋯王翔希望能回归当年苏州园林士大夫听曲的形式，只有3个主角，没有插电乐器，全由现场乐师拍和。“裙裾莲步，曲笛幽咽，暗香迫近眼眉，水袖能触到你的鼻尖⋯⋯”皇家粮仓空间不是很宽裕，8根金柱在仓里一站，最大间距4米，戏怎么演？大导也请来很多行家号脉，被卡住的不少。还是林兆华有过人之处：让演员裙裾莲步围绕金柱左右迂回，空间陡然扩展出来。观众入场时，水雾将整个粮仓包裹起来，有一种魔幻效果；开场时，身着明代服饰的笛师奏古曲从亭中踱出，至乐师席位；每一回目开始，气宇轩昂的四花脸花神提白纸灯笼上场，一位书家在灯笼上题写回目的名字，然后高高地挂起；《惊梦》中从天而降的玫瑰花瓣雨纷飞《离魂》中细雨凄迷，雨滴落在鱼缸中，鱼儿一惊，溅起的水花湿了观者衣襟；《回魂》中的杜丽娘拖着几米长的红色裙裾从身后的亭子中飘然而出；最后那些从云南空运到北京的活蝴蝶，在《蝶恋花》“情难诉”的合唱中飞向观众席⋯⋯一时间，落英缤纷、秋雨如丝，朴拙的粮仓充满江南的韵致。这些都是林兆华和汪世瑜两位导演和王翔冥思苦想而出的妙案。选演员是另一大难题，杜丽娘和柳梦梅是小女子和弱书生，北方人演不来。他十下苏杭，总算找到合适人选。为实现这个梦想，王翔下了血本，从明式家具材料、款式和雕花，演员使用的扇子，杜丽娘用的铜镜，苏绣针法等等，都马虎不得。望尘莫及的情色就在找寻过程中，王翔爱上了明朝：它是中国最开放的朝代，在这个大时代背景下的昆曲最与众不同的是将“情”置于“性”之上。汤显祖的《牡丹亭》写的就是一位深闺少女春梦之后性意识的觉醒。“把领扣松，衣带宽，袖梢儿着牙儿苫，则待你忍耐温存一晌眠”的快乐和“见了你紧相偎，慢厮连，恨不得肉儿般团成片，逗的个日下胭脂雨上鲜。我欲去还留连”的享受，在杜丽娘“行来春色三分雨，睡去巫山一片云”的交欢之后，让丽娘无法忘怀，无法释怀，无法割舍，最终抑郁而亡。 一个“粉戏”的情色写到如此高级，优雅的境地，那个时代的审美，让人望尘莫及。这项目最大的困难是把林兆华和汪世瑜撮合到一起，他们之间相互敬重，反而使王翔感到缺乏真诚。昆曲之于林兆华如同戏剧之于汪世瑜，对他们都是有距离感的。汪世瑜有精神准备，他计划陪演十场，然后大家鸟兽散。7月初，林兆华从美国丹佛打来电话，第一句话就是“还演着呢？”但厅堂版牡丹亭却越做越火，一路坚持下来。放纵的困惑王翔觉得听厅堂版昆曲就是一种奢侈，但凡高级的都是稀缺的，才显示弥足珍贵。昆曲对观众的文化素养有极高的要求。他知道这个充满巨大变革的社会正在迅速形成一批人，他们也就是昆曲灵魂所需要的人，而他希望实现这两种灵魂的对接。他最近在读《纵欲的困惑》，这是加拿大人撰写的关于明代文化与商业的专著，他觉得这个书名是对明代最好的描摹，也是对现世最恰当的勾勒。当物质文明如日中天时，人类放纵自己，并获得快感。但问题是放纵中或者放纵后的困惑，他们开始反思：我们需要怎样的生活。这才是明代与当代最相似的地方。我们和明朝一样，正在经历农业化社会到商业化社会的嬗变，我们的人口正在急剧地城市化，我们正在寻找缰绳，但与此同时，我们开始困惑。衣冠：怒放的优雅明中叶以后，中国人进入了一个狂欢的时代，对传统文化甚至是传统社会体制的革命都是在这些花花绿绿的衣服上面开始的。 明朝人李乐，在《见闻杂记》写道：年轻的时候，学官来检查学校，其中有一个学生穿得特别鲜艳。学官对这个学生说：“你是什么家庭出身，一定来自娼优之家吧。”这学生一身大汗，脸如猪肝色，无地自容。后来李乐也当学官了，视察学校，结果发现满校学生都穿着花花绿绿的女装，打扮得花枝招展，家里的父兄们在旁边“以为得意”。李乐大发感慨：世道怎么变成这种样子了。在士大夫身上，服饰时尚是一种不露声色的优雅，一位士大夫去人家赴宴，饭前饭后要更衣洗漱。其中有一位名士穿得很朴素就穿一身秋香色（古铜色）的长衫，织得是一支玉兰花，含苞待放。吃完饭更衣后，大家都漱口洗脸换上光鲜的衣服，惟独那个最有学问最讲究的先生似乎没换衣服，仔细一看才恍然大悟：上午所有含苞待放的玉兰，下午居然全部怒放。于丹：明朝墨客的舞台离骚士大夫：用血泪谱成的旖旎之声昆曲保留了中国文化最为优美和悠扬的形式，形式上是“载歌载舞”，内容上是“至情至性”。人物身段优美，把文学、音乐、舞蹈等元素水乳交融地结合在了一起。昆曲在明代诞生时，叫做传奇，而传奇作者多有非常好的文化背景，有很大一部分是在朝为官的，所以他们基本代表了士大夫的趣味。他们所创作的这些故事，绝大多数是“至情至性”。汤显祖写《牡丹亭》时，家人找不到他，最后发现他哭倒在后院，原来他写到了杜丽娘死后，春香收拾遗物时，写到一句“赠春香还是旧罗裙”，顿时痛不可忍。昆曲，中国人时尚进化的产物如果从更宏大的历史维度上看，中国文学样式由简而繁发展。开始非常朴素，像小孩子呀呀学语，从几个字开始，逐渐出现了句式。最早从诗经开始是四言诗，到汉代的古式诗经变成为五言诗，后来为了寻求跌宕的节律，到了魏晋晚期开始出现新体诗，也就是七言诗。在唐朝，格律诗成熟为七言律诗，而在宋代演绎成长短句，也就是宋词。当宋词变化得更为跌宕，并开始配曲，就形成了元曲，本身叫散曲或套曲，总体来说就是：“言之不足，故咏歌之，咏歌之不足，不觉手之舞之足之蹈之。”元杂剧已开始演绎悲欢离合的故事，后来4本体量已不能满足，所以从《西厢记》开始变成五折，后来绝大多数明传奇如《长生殿》、《桃花扇》一律五十折。情感要越来越精良细腻的表达。明代市民社会已真正成熟，经济基础发达，形成一个有余力进行全社会阶层审美的朝代，文人士大夫趣味成时尚，风行于世。明朝与大汉大唐相比并不算盛世，它是一个孤决的王朝。在这样一个历史时段，在仓皇和**的政治制度变革之中，文化审美上却表现了一种绚烂的繁荣。水磨腔：文人的闲趣少女的幽情昆曲的词是迄今为止我们能看到的最为精雅的戏曲脚本。当京剧兴起后，其他的300多种声腔统称为花部，唯独昆曲为雅部，而雅部之称完全源于它的文学特征。《牡丹亭》在“游园”的开场：“唱的鸟情思，吹来闲庭院，遥样春如现”，从文学角度来说表现了工稳典雅的士大夫趣味。这种对于流光转瞬既逝时心中的痛惜，不只表现了杜丽娘一个女子的伤春，更多地表现了一种纯正的文人趣味。同样，“朝飞暮卷,云霞翠轩,雨丝风片,烟波画船。锦屏人忒看的这韶光贱!”。也不仅是杜丽娘的视点，而是整个文人看流光的感触。昆曲在当时作为时尚趣味的极品创作，集中反映了多数文人的雅趣。昆曲民间叫法为“水磨腔”，可以体会到昆曲的细腻婉转，以及极其精良圆润的质地。后来昆曲被宫廷化，这在很大程度上反映了从政治上到文化上对昆曲的肯定，昆曲也就成为非常主流的王室至尊。一些生死恩怨已经突破了我们凡俗的想象一百多年以来，京剧在民间渗透，人文性衰落。社会性提升，审美趣味下移，昆曲对于广大老百姓来讲，实在过于雅致，《琴挑》中陈妙常一出场，谈琴道：“倒琴弹像月明中，谁家月夜琴三弄，细数离情曲未终，人在蓬莱第几宫？”一种问话，更像唐诗宋词，跟京剧句式相去甚远。文化要走向普遍社会大众，就要放弃一些高端趣味。而昆曲在文人趣味中流传甚广，这其实是一个王朝在鼎盛时期，里面一些生死恩怨已经突破了我们在凡俗的想象，这也就是昆曲的价值所在。园林：侏罗纪的自我世界晚明曲家兼藏书家祁彪佳的《越中园亭记》中说“越中，众香国也”，越中士人都有修筑亭园的嗜好，整个越中都成了一座大花园。小品文作家张岱在《陶庵梦忆》中说，他曾经在天镜园小住一段时间，每天早晨打开窗，捧起一本书来读，似乎每一个字都成了绿的。对文人而言，金榜题名、衣锦还乡和优游园林是人生三大终极理想，园林是他们灵魂安息蛰伏之处，这个经营生活闲雅空间的念头伴随着他走到了生命的绝境，1711年，因《南山集》引发的康熙朝第二起文字狱把翰林院编修戴名世送上凌迟处死的刑场时，最让这个明末遗民念念不忘的是他惦念了一生的想象的园林：意园者，无是园也，山数峰，田数顷，水一溪，瀑十丈，树千章，竹万个。主人携书千卷，童子一人，琴一张，酒一瓮，其园无径，主人不知出，人不知入⋯⋯其童子伐薪，采薇，捕鱼，主人以半日读书，以半日看花，弹琴饮酒，听鸟声、松声、水声，观太空，粲然而笑，怡然而睡，明日亦如之。岁几更欤，代几变欤，不知也⋯⋯顾笃潢：江南最后的名士每逢星期二上午，挤公交车而至的顾笃璜，一定会出现在苏州昆剧传习所。他身边总是簇拥着头发花白的老者，同时还有好几班人在旁边候着。有人说他是“江南最后一位名士”，他淡然一笑：“也许我还有一点点古代士人的风骨，其实差得很远，古代的士早已经灭亡了。” 一颗鸡斗米，分出世家成色130年前，先祖浙江道台顾文彬告老还乡后，建造了清代著名私家园林怡园，到顾笃璜是第五代。后来他父亲将怡园捐给国家。不沾烟酒，基本吃素，据说每天只花6毛钱的顾笃璜，又将顾家的藏书楼“过云楼”藏画，捐给了上海博物馆，占其半壁江山。“如果拍卖，肯定会震惊世界。”根据相关专家保守估计，顾笃璜捐献的藏画起码要有4亿元人民币。世家的生活，是不能想象的精细。顾笃璜小时印象最深的是“鸡斗米”，那是一种水生植物，必须是当天早上采下来，下午剥开硬壳，当点心吃，那一点点冰爽甜脆的滋味，最适合夏天细品，“鸡斗米”黄豆大小。丫环剥时，一点儿都不能破损，否则，那股带着清香的甜就没了；调羹一定是雨水，用河水、井水，清香就出不来了。汤水的味道才是最主要的⋯⋯一个简单的小吃，居然搞得如此隆重。也许用这个细节就能解释什么是士大夫的生活。说起顾家怡园，顾笃璜说，世人对这些苏州园林主人有误解——以为古人会住在园林中，实际完全不是。几乎所有园林是社会化的，只要递张名刺，就可以进去游览。为什么明清有那么多才子佳人故事，后花园怎么说进就进呢？道理就在这里。那时苏州士人闲暇之余，吟唱昆剧是件极普遍的雅事，苏州大世家常互相约请同好，发起定期集体会唱，叫做“同期”。他年幼无知时，大人唱工尺谱：“工工四尺上”，他和一帮顽童就在旁打趣学舌：“婆婆六尺长”，只要听到悠扬婉转“吁呓”之音，就知昆曲开唱了。拍板、唱曲、台步⋯⋯都融入到他的血液里。朴园张家请昆曲唱家俞粟庐到家中教曲，在苏州一度很轰动，苏州许多世家子弟都前去学唱，顾笃璜的父亲和三位伯父都曾到朴园学曲，伯父顾公是俞粟庐的三大弟子之一。怡园公子的结局抗日战争，这个传承了百年的大家庭被全苏州第一枚炸弹炸得分崩离析，很多人逃难后就再没有回来。顾笃璜是在上海租界里长大的，当时在上海海派文化的肇始者、鸳鸯蝴蝶派的文人、书画家等等，绝大多数来自苏州。顾笃璜在上海呆了8年，但始终没有融入上海，他觉得上海的时髦从骨子里是市井文化。解放后，顾笃璜被任命为文化局长，但干了一年多，他就辞职了，因为很多的事情都不是他想做的。他就在戏曲研究室扎下根。“文革”爆发后，听说***派将冲进家门，时任苏州博物馆副馆长的父亲主动请苏州博物馆来抄家，让人从家中拉走了7车书籍字画。谁知抄家那天，他被拉到家门口批斗，那些无法送走的明式家具，被一扫而空，有的被当场烧掉。这个老世家，无论如何无法承受这种折辱，当晚留下一张纸，“士可杀，不可辱，我先走了”，投河自尽，终年64岁。“文革”结束后，政府退回了当年抄家的器物。但还缺了500多样，比如名贵的宋版书，市价1万元一页，现在不知所终。经历了重大创伤的顾笃璜觉得这些巨大的财富对于个人来说，这不是财产，而是无法承受的负担。于是他干脆都捐给了上海博物馆。一肚子不合时宜其实他最喜欢的还是绘画，父亲的画不是一般的好，绘画几乎是顾家的家学，但顾笃璜一生最大的精力没有放在他的挚爱上，而是放在昆曲上。父亲说起延续了200年的苏州虎丘中秋曲会，是一年一度的全民性昆曲大赛。中秋夜，苏州人倾城至虎丘。先是万众齐唱，比出优胜者数十人，再唱再比，优胜者渐次减少，最后由一位水平最高的演唱者登场。明代张岱在《陶庵梦忆》中写道：“一夫登场，高坐石上，不箫不拍，声出如丝，裂石穿云。” 他无法容忍这么美的东西就这样消逝掉。昆剧经历了400余年而仍旧存活，一代代士人投身其间，终于使它的生命得以延续。“以前一些机构开座谈会都争着请我去，但现在避我如瘟疫。因为我会骂人，不管是谁，我都不给面子，我就是无法容忍他们糟蹋昆曲。”顾笃璜干脆做了一个名叫“兰芽”的民间戏班，争取政府的支持、开辟市场、经费、客源⋯⋯着实操心劳神。他到处寻访当年的昆曲名角，这些昆剧老艺人都已年高，有的在上海摆菜摊，聊以维生，离开舞台40多年，他们做梦也想不到有朝一日还能传授昆剧技艺。这些人是宝贝，稍事准备即可传授的就有370多折昆剧。经过几十年的艰难找寻，他终于完成《昆剧传世演唱珍本全编》线装本，16函共160本，附有工尺谱和注释，囊括了他收集到2800折的舞台演出本，将传世的戏全部收集全，这是他一生中最值得骄傲的事情。现在他正忙于整理自己脑子里的历史，每天都在伏案疾书。“在死之前，我要把这些东西整理出来。”一曲长生殿，唱出中国未来二十年2001年，顾笃璜赴台演出。他惊诧于台湾组织者的经营意识，演出前几个月，台湾公交车身广告就打着大幅《长生殿》剧照，戏票早在半个月前就已售罄，每天有市民手持“求购《长生殿》戏票”的纸牌，守候在剧场外等待退票。演出散场，一群女生呼啦一下将他团团包围，争着让他签名。顾笃璜坚信传统昆剧的魅力。20世纪80年代初，他们到意大利、法国、德国演出，外国人不同意打事先翻译好的字幕，他们说悲欢离合无需翻译。闭幕时，观众如痴似狂，鲜花像潮水一样抛向舞台⋯⋯“日本能戏也垂垂老矣，可日本人从小学生抓起，老师带队去看，这是行政命令，免费观看。中国13亿人口，每人一生看一次昆曲，这就已经演不完了。” 士大夫：硬骨头有智慧明宋是中国历史上少有的时尚年代，只有这两个朝代是读书人坐天下。先秦是贵族时代，秦汉是军工地主时代，魏晋南北朝是世家时代，隋唐以后才开始“旧时王谢堂前燕，飞入寻常百姓家”的平民化；到了宋，知识分子士大夫成了国家主人；到蒙元，人分四等，社会倒退；明朝，曾经的帝都南京使主人翁精神在士大夫身上体现特多。当东林党人被抓，苏州起民变，这些知识分子已代表人民意志，有现代党社的雏形，他们的时尚可以成为社会流行风向标。我们发现，明朝时期，君臣关系是整个中国历史上是最错综复杂的，万历皇帝甚至因和臣子的矛盾，一怒之下从此不朝，用“不作为”对抗群臣。胡适曾问孟森先生：明朝士大夫怎么了，廷杖、群殴、关诏狱，都打死了，还前赴后继，还进谏、跪见？商传研究了十多年，结论是：那是因为明朝士大夫觉得天下是我们的，主人当然要讲话。宋出文天祥，明出史可法，都是读书人。晚明张煌言被俘后，留下绝命诗可与文天祥《过伶仃洋》媲美：“国破家亡欲何之，西子湖头有我师。”西子湖头有两个墓，一个是岳飞一个是于谦。追求名士气节，这也是明朝的一种时尚。马未都：明魂在路上马未都在北京郊外，建了“观复博物馆”。他把二十多年的宝贝都藏在这里。“观复”一词来自《道德经》中“万物并作，吾以观复”，意为观天复地，事物往来，有一种隐逸的趣味。80年代，马未都月收入50块钱，却敢挪用家里1600元买了第一件藏品——一副镶有宋、元时期钧瓷残片的四扇挂屏。几年后，同样挂屏在香港一次拍卖会上卖到14万港币。一个毫无背景的穷编辑，1600元起家，只用几年时间就玩上千万的古玩，他是中国淘金年代众多神话最好例子。明魂其实就是宋魂所有收藏中，马未都最喜瓷器。中国人对瓷器的美是上帝特许的垄断，只有中国才有瓷器所需的特殊黏土。明瓷器分三个时期，一是明前期，如洪武、永乐、宣德；二是明中期，以成化正德时期为代表；再就是明后期，嘉靖、万历等时期。前后两个时期美学追求比较强烈，色彩浓艳，中期比较疏淡。晚明瓷器的审美和家具的审美不同，瓷器讲究颜色浓烈，不能简约，否则就是个素器。瓷器从古至今，都是最顶级的艺术门类。最贵的瓷器和最贵的家具不在一个等量级。全世界都是绘画卖得最贵，其次才是工艺品；但只有中国是瓷器最贵，其次才是绘画。在 国际收藏家眼里，中国绘画题材相对狭窄，无非花鸟山水，但瓷器的文化内容远高于绘画，甚至《西厢记》中张生翻墙头这种“犯忌”的内容都有反映。明晚期，文化禁锢较低，这一点和今天很相似，是个自由表达的时代。汉人文化在宋朝到了一个巅峰。经历元代百年断绝，明代在恢复宋文明，但达不到它的审美高度，但却将宋代市民文化发扬到登峰造极。中国文化有两个对今天影响至深的重要朝代，一是宋代，一是明代，明宋版图都很小，武力也最弱，但这两个朝代最强大的都是它的以柔克刚的文化。我们这个时代还很粗鄙马未都拿出最喜欢的明隆庆朝的宫廷佛前供器，这东西很罕见，他研究了二十年，至今说不清楚用途。明代瓷器重整体感，不重细节，这瓷器的云没有清代的画得那么规矩，明人画龙多是猪嘴比目龙，很原始，清廷的就失之琐碎。历来明瓷价钱都是清瓷的十倍以上。现在却刚好相反。中国收藏市场禁绝多年，刚开始复苏，清代瓷器的吃香，并不稀奇，现在人审美大多浅薄，喜欢繁复精致，明代瓷器比较大气，其实这就是轮回，对精致的东西追求到了极致，就会返璞归真追求大模样的感觉。“慢慢来，我们才富了20年。”马未都说。明清两代人文人在社会上层，和今天大不一样。当时社交是靠艺术品鉴赏，谁收了个宝贝，就派书僮给朋友送信，请大家来鉴赏。今天社交主要靠饮食男女，饭局攒人。“再过几十年，肯定不是以吃饭为由了。其实今天以吃饭为由聚集人已经开始困难了。人家来已算给你面子。但如果我说今天收三个明代瓷器，恐怕很多人会排除万难，过来看看。”马未都认为，其实社会就是一次次轮回，中国人的精神追求，十年之后就会和完全不同，那时很多人就知道赚的钱这辈子花不完，到一定份上，钱就丧失了意义，钱在什么时候有意义？能操控它时有意义，不能操控它时，它什么都不是。中国迟早会产生一个悠闲的以艺术为中心的阶层，文人这个阶层还会回来，千百年来他们一次次被毁灭，又一次次重生。瓷器拥有了我，而不是我拥有了瓷器这个佛前供器，是隆庆年间500年前的器物。“如果25年算一代，20代人从这瓷器面前走过，我们都是过客，500年后，还有人看这瓷器，而我却无踪可查，这东西永远在，是我们在它面前走过。不是你拥有文物，而是文物拥有了你。”
古玩界有句老话就是：宝物聚聚散散。如果你照着瓷器的角度看世界，就会发现一个简单清晰的世界，问题是我们看不懂。过去老话：物是人非。当你置身瓷器中，才能深刻体会到这一点，我只是它漫长旅程一站而已。真正易碎的不是瓷器，而是我们。 想要找明朝精神，就去日本中国制瓷业，到晚明反而质量下降了，晚明人对工艺要求不高，更重精神，明朝时期是日本和中国最后一次大规模文化交流。如果你想看晚明风韵，最好去日本。日本人保留了晚明文化的很多精髓。让人难过的是，我们在文化境界上全面落后了。日本茶道，我们叫茶艺；日本剑道，我们叫剑术；日本花道，我们叫花艺；日本武士道，我们叫武术。日本人已将艺术上升到精神甚至信仰层面，我们却在技术层面。马未都看电视上有个节目比刀快，一刀可以砍掉几根竹子。但日本人比的是流水中飘来落叶，经过刀锋时划为两半。古龙小说里经常比拔刀快，但日本人比回刀快。不用看一刀就回到刀鞘里，追求的是把人都杀了，别人都没见抽刀。马未都知道自己说日本好，会招很多人恨，但的确，我们丧失了明朝精神，而日本人经历全球化浪潮后，却很完好地将明代精神继承下去。为什么日本人能继承？日本艺术都不许改良，日本“能剧”如果一世死了，就全国招考，拉着幕布，选和一世嗓音条件最像，不走样的那个，接过衣钵，成为二世。最出色和最相似的才能成为真正传人，没有门派之见。中国艺术是家族遗传，梅兰芳传给梅葆玖，父传子，儿传孙，肯定一代不如一代，最后灭绝。“我们要感谢日本帮中国人留存了明朝精神的副本。”中国人喜欢改良，喜欢变化，这有好处，也有坏处。今天我们更多承受的是否定过去带来的恶果，有一种文化的失落感。我们失重了。比如中国的明代五彩，日本称为“大明赤绘”，日本人喜欢一个强烈画面，要求的是美感，画什么不重要。但中国人却规定：画龙的要比画人的贵，画人的要比画鸟的贵。这种世俗的等级都渗透到审美中了。很多日本人收集的明代瓷器很小，但却价值连城，中国总觉得越大越贵。中国人觉得不圆就是瑕疵，日本人却觉得不规则有历史感，倒是优点。如果瓷器上有爆釉的瑕疵，中国人就觉得不值钱了，可日本人却相反。总的来说，日本人最贵的工艺品都是粗糙的，精细的东西都不值钱。残的比不残的还值钱。中国人却以细致为贵：“瓷器毛了边，不值半文钱。”对文物，中国人的普遍态度是：精神不值钱，值钱的是物质。日本人收藏的不是瓷器，而是瓷器带来的历史美感。简单地说，所有有自然的属性和历史属性的瓷器，日本人都觉得价值连城，我们却正好相反。而日本人的这种追求恰恰就是当年明魂所在。“中国的历史就是驴拉磨，一圈圈轮回。中国文化就是金刚不坏身，它的自我修复能力很强。”马未都毫不怀疑，未来的二十年，明代所代表的人文精神必然回归。明朝时期，最有活力的阶层就是士阶层，今天能对应的就是正在崛起的中产阶级，它是中国人进化的最新品种，某种程度上，我们正在为300年前的明人圆梦，他们未能继续的天堂，由我们接手。沉香：心醉神迷的年代这是一个芳香的年代，城市空气里总是飘荡着让人心醉神迷的香气。明人头上散发香味，衣上挂着香囊，浴桶里飘着香料和花瓣，读书时手边也放个香烟袅袅的熏笼或长柄香炉，祭祀时更是香烛高照。香料以沉香为主，配以乳香、檀香、丁香、麝香、甲香提炼而成的。明代以前没有线香。若演明代故事在香炉里插上线香那就大错特错了。中国文人最大理想就是“红袖添香夜读书”.一个“添香”就将所有都包含了。若只是插三根线香，就索然无味了。添香是繁复过程，把原来香灰去掉，换上新炭，重换个云母板，将香丸香料放其上，云母板热了，香气从宣德炉里蒸腾在空中⋯⋯完成这些工作还有很多精致工具：小镊子、小铲子、小夹子等等。看美人轻轻巧巧地做这复杂的一套，本身就是一种享乐。明末名士冒襄在悼念爱妾董小宛《影梅庵忆语》中也回忆那段“静 坐香阁,细品名香”的“添香”日子：“我两人如在蕊珠众香深处。今人与香气俱散矣。安得返魂一粒，起于幽房扃室中也。”田家青：明韵生活“什么是时尚？时尚就是应不糟践东西，善待自然，明式家具就算得上是永恒的时尚”。这是田家青对记者说的第一句话。走进田家青的研究室，首先映入眼帘的是东侧一套有现代风格具明式韵味的家具，都是他设计制造的。作为学者，田家青的专著《清代家具》是学术界公认此领域开创和权威之作；作为专家，中国嘉德、翰海及美国索斯比、英国佳士德四家世界最著名拍卖公司，凡举办重要专场中国家具拍卖均会请田家青对重要拍卖作品的鉴定做出决断性意见。作为艺术家，他创新设计了具有时代风格的“明韵”及“家青制器”系列家具，自上世纪末，每年在中国嘉德国际拍卖有限公司的大型拍卖会上与历代古董珍玩同场拍卖，开创了著名艺术品拍卖公司拍卖现代家具作品的先例。明式家具是什么？什么是好的明式家具？很多人爱问这样的问题。田先生说，说起来也很简单：当你看到一件传世的古代家具完美到任何一个部件都不能拆，拆一个部件这个家具就会散架，或者就无法使用。在造型上，你也没法再改，比例关系推敲到极致，一改就坏。这八成就是一件上好的明式家具。二十多年前，一次田家青请摄影师拍一件明式家具，当时大尺幅反转型胶片特别贵，只能拍两张。先是一张以侧45度拍摄了器物的整体，剩下另一张拍局部照，可是他就挑不出拍哪了，因为每个局部都特别和谐，田先生就对摄影师说，那你看哪好拍哪吧。摄影师看了半天也很为难地说：“我看哪都好，随便拍一张都够上封面。”曾有博物馆筹划购藏一件明式家具，定夺之前，拉来请他看看。东西刚一摆稳，田家青就乐了。他们知道不对了，有些诧异地问：“那你说它哪不对。”田先生说：“不是它哪不对，而是没有哪是对的。”因为一看样式就知道，原主有件真东西，照它造了一个赝品。做的时候是照葫芦画瓢，但许多细节都被忽略了，尺度和比例关系更没把握好，在行家眼里，显得滑稽和古怪，与原物风韵已谬之千里了。由此看来，当今虽然人云亦云都说明式家具好，但真正能把握明式家具的精髓的人并不多。人对艺术的感悟不是与生俱来的，需要后天慢慢地积累。“明式家具是中国五千年工艺美术进化史的巅峰之作，什么叫完美。理解了明式家具，你就知道了。”田先生总结了明式家具设计制作做的三个核心理念：第一，不为装饰而装饰，却达到了最好的装饰效果。它是在最简单的型式和功能的保证下成为艺术品的，没有非功能装饰性部件，各个部件合理和谐地组合在一起，是可以使用的艺术品。历来，世人有个误解或偏见：最高层次的艺术是纯艺术，是书法、绘画、雕塑⋯⋯但明式家具同样达到很高的艺术境界、承载了人的思想并具有内涵。王世襄先生早前是研究中国古代绘画的，上世纪40年代初期就完成了专著《中国画论研究》。但当明式家具进入他的视野，王先生被明式家具有的人文和艺术魅力深深吸引，从此涉足这块艺术圣地一发不可收。就艺术而言，明式家具与绘画、雕塑、竹刻一样都可承载人的思想，表现深刻内涵，给人以艺术的震撼和美的享受。但相比之下，绘画、雕塑、竹刻等艺术形式更偏于纯艺术范畴，属于鉴赏器仅供观看；明式家具不仅可供观赏，还有使用功能，更贴近人，更能融入生活，从这一角度上看，家具艺术比纯艺术作品更胜一筹。只是世人受鉴赏力局限，世俗观念影响，很难领会明式家具真谛。第二，如果形式和功能发生冲突，明式家具一定会把功能放在第一位。例如宋代的家具就非常漂亮文雅，但结构不够成熟，所以很难保存到现在，我们只能从绘画中欣赏了。而明式家具在艺术上继承了宋代的韵味，同样具有很高的格调，结构上有所突破，强调功能性，实现了形式和功能的完美结合。由这两个理念引出第三个理念：明式家具设计和制作达到了高度的天人合一，物我交融的境地。明人的这个理念对我们有很多启发，不能否认，当今很多方面都存在浪费现象，除了物质上的浪费，审美上产生了很多视觉污染。现在提倡和谐社会，怎么和谐？明式家具就告诉你什么是和谐。从明式家具的方方面面、一招一式都能看出追求和谐的思想。例如，他们对木料平等相待，惜料如金。从宏观上，你会发现很多明式家具构件的截面都是圆的，木材本身是圆的，做成圆截面可以“随圆就坡”，大大节省木料，而且圆型更有韵味，达到实用和完美的统一。田家青十几年来，出版了几本专著，在版式设计上，也有一个特点，他要求设计者一定要采用文图混编的形式，尽量使照片、参考线图和文字说明对应在一起，如此设计，虽不如图文分排整齐划一，但却方便了读者，免去阅读时来回翻阅的不便。当形式与功能无法两全时，形式让位于功能，这是古人设计明式家具时的核心理念，田先生将此应用于出版设计也算是对明式家具的诠释和继承。一件家具一个古人古时工匠说起木头就像说起人，比如说起不好加工的紫檀，他们就说：“‘脾气’大很难‘伺候’。”这里是把物和人平等看待，不像西方总是在征服。在明代木匠眼中，木头和人一样，都有灵魂，木头其实是活的，随时依环境发生变化，温度、湿度的变化，木头也会变形和热胀冷缩，再直的一根木头，从中间劈成两根，每一根一定会慢慢弯曲，这些都是木头的“性格”。聪明的木匠悟到了木头的特性，顺势而为，用最简单的办法解决西方人几百年都无法解决的最挠头的问题，其中关键就是思维的差异。有人说，“征服”是西方人对待自然的理念，西方人对“不听话”的木头的“征服”，分了三个阶段。最早，是用铁条和钉子箍起来，做成框架，将木板箍住，令其涨无可涨、缩无可缩，但木头是坚忍不拔的，宁开不屈，绝不妥协，很多干脆从中间撕裂或是劈了。第二阶段，他们将木头切成薄片，一横一竖地用胶粘在一起，三合板由此诞生，让木头自己较劲，似乎解决了木头“反抗”的问题，但木片一年365天时时刻刻都在收缩膨胀、在反抗，过了几十年必使胶失效，这些薄板都一片片撕开了。到了现代，人们干脆将木头碾碎成粉末，然后加入树脂，压成胶合板，这似乎就彻底解决了木头“反抗”的问题，但实际是一种无奈和彻底的失败。古代中国人不想征服木头，而是要与木头共存，他们只用很简单的方法，在每道工序上有相应的办法，用“抽缝”等技巧，给木头膨胀和冷缩的空间，很简单就解决了这个问题，这样反而可以让木头听话。中国家具榫卯更是一绝，很多明式家具不用钉不靠胶，只用榫和卯斗合在一起，历经几百年沧桑，木料已近朽烂，但主体结构仍然不松不散，仰仗的就是严谨的榫卯结构，反映的是中国人的聪明智慧。出于对自然和万物的敬畏、那时的工匠对木材都要材尽其用。量材而用。古人做家具不依赖图纸，这是最人性化的方法。工匠要依现有的木料建议主人做什么，先做大型家具，剩下一些材料，就做中号、小号的，再剩下的小型的文玩用器，直到除一堆锯末，只做够牙签，什么都不剩下，一点儿都不糟蹋。“如果这么多年来，人们能依照明式家具的理念生活和生产，当今恐怕就用不着为气候变暖着急了。”田先生说。其实最让田家青着迷的是明式家具的“语言”。田家青看一件家具，看它的造型、用料、结构和工艺，就能看出家具背后设计和制作者的艺术修养、品位爱好、性情格调、为人处事⋯⋯这就是所谓的“见物见人”。工艺上，田家青看就是“眼”和“手”。“眼”就是眼力，属于艺术范畴；“手”就是手艺，属于工艺范畴。“眼高手低”，做出的家具造型漂亮，有艺术性，但手跟不上劲儿，做工粗糙；“眼低手高”是“匠活”，最糟糕；“眼高手高”者固然让人钦佩，但也还有人品高下之分，有“偷手”的：把表面工夫做到完美，暗底下的榫卯却做得很马虎，这是较油滑的工匠；如果是“眼高手高”，家具的暗处都使得上劲儿，一丝不苟，是实在的人；若还有创新，这件作品在历史上就会有相应地位，成为经典，我们虽然无法知道他的名字，但见到这样的器物，人们会肃然起敬。田家青见过一件明代书柜，他相信这件柜子是当年一个文人做的，因为从选料、用料、结构、制作方方面面都能看出稚嫩但认真之处。例如柜子的四个侧面都做成“扇活”，一个柜子等于做了两个柜子的工，结果费了工夫，反而不结实，从工艺手法上看，他没有木匠的基本功，是个特别认真的票友。最有意思的是家具里标识榫卯关系的“暗记”（通常工匠用简单的小道道，称为“苏州码”），居然是用一手极漂亮的楷书写的千字文。一般一件家具工匠只要打两三个暗记就够了，他却不厌其繁每个相交地方都写了。从这些特征上我们看到了一个追求完美，书生气十足又迷恋家具的明朝文人。田先生说，明式家具是在文人参与下才达到艺术的高峰。田家青要求工作室的同仁一定要习练书法。“不习书法，你对明式家具就很难有感觉。”田先生说。例如，明式家具中经常会出现的“罗锅撑”，如果你没有感觉，就会把它做成“拧着脖子”的样子，难看极了，这种东西教是教不出来的，是工匠艺术素质的直接表现，需要自己感悟，如果你学过了书法，自然就能领会那种感觉，想“拧脖子”都难。田家青早年藏有一个清代的明式紫檀香几。几面丢失了，但仍有独特的残缺美，属于维纳斯式的遗憾。15年前，田家青将其收录放在专著里，结果有不少人仿造，以谋得高价，有上当的人，居然还设法寄来照片找他来询问。实际这件香几一直在他书房中，根本没出过门。伪品僵直、呆滞，一点精神气儿都没有，与真品相距十万八千里。有书中照片可以参照对比，这位“爷”却楞看不出来，可见其眼神！这也从侧面反映出现今人们对家具审美的水准：“多差的仿古家具都能卖出去！”当家具成为哲学明式家具对田家青而言，甚至是一种提升境界的器物了。中国古代艺术品之丰富多彩，学问之艰深，常让研究中国文物已三十余年的田家青叹为观止。二十多年前，他曾看到一个两米多高的圆角柜，因为这类柜子都只有一人多高，他想这一定是此类柜子中最高的。但后来，又见到了一个3.4米高的，田家青以为这才是最高的。谁知到了美国，他又见到了一个3.7米高的。有意思的是，田家青后来又有幸见识了一个4米多高的柜子，可能是过去某寺庙中的放经书的器物。不过这次他想的却是：“八成这还不是世界上最高的呢。”刚进古玩行业，王世襄先生告诉他一句话：“说有容易说无难。”当时只是认为极有道理，但最后还是从实践中理解了，也使他做学问更严谨了。明式家具承载了中国人所推崇的人生哲理。其实明式家具给你最大的好处就是它可以潜移默化地影响你。虽然它不会说话，但你看多了，自然会有所领悟。它已超越了语言。例如“面条柜”，也叫“圆角柜”，已有上千年的历史，历代流传至今，倍受历代中国人的喜爱。看看它的结构，发现它上小下大，上部留有空隙。会使人产生视觉上的稳重感。仔细体会一下，就能明白这个家具就是中国哲学的化身：“做人做事要沉稳，处事要留有余地。”所以这种柜子能成为明式家具的一个代表性的品种。前一阵，有个收藏家请田家青为其书斋写个匾名，他想了想，就写下了：“三余斋”，喻意为人处事和做事业都应留有余地。当今人们对家具价值有一个误区：认为它的价值取决于木料，卖家具的人常说紫檀木料很贵，以后会越来越贵，所以做成家具也会升值，这是一个偷换概念的误导。对艺术品而言，木料只是艺术载体，就如雕塑用的石膏、画画用的纸。再好的纸，但如果用它写了一笔俗字，就只是废纸一张。没有艺术水准的家具，只能停留在使用层面，并不具备艺术品升值的潜力。而且因为制作家具会有太多的榫卯，拆下的料很难再重做家具。所以虽然木料是自然稀缺资源，的确会逐年升值，但做坏了却一钱不值，如果你买回这样的家具，不仅不会升值，随着你鉴赏力的提高，还会让你烦得慌。有句十分流行，但很势利的俗话让田家青反感：“人分三六九等，木分花梨紫檀。”为此，他专门用便宜的铁梨和珍贵的紫檀木料相结合设计了一些家具。用以表达“人无三六九等，木更不分贵贱。”其中最早制作的是一件大架几案，用紫檀做架几、铁梨木做大独板，完美地发挥了这两种木料之长，并使其和谐地组成一体。王世襄先生见后连连称赞，还特为这件大案写了铭文：“紫檀架几铁梨面，莫随世俗论贵贱，大材宽厚品自高，做人相物两为鉴。”故宫在复建“建福宫”的时候，请田家青参谋应陈设什么式样的家具，其中有一间是超级VIP房，主要来招待各国元首。田家青说，不妨用紫檀和铁梨做出一套家具，以体现出，木不分贵贱，人不分贵贱，国家更不分贵贱，世界各国也应该能和谐相处。这种貌似简单的明式家具，却包含着极其丰富的内容，它表达了文人注重内心世界肃静、不事张扬的情绪，这种情绪贯穿着明式家具的设计。一个设计在今天能够有四五年、十年的生命力就算不错了，而明式家具已经三四百年仍不落伍，可见当时文人设计的经典。中世纪，一幅教堂壁画需要耗去意大利画家几个月甚至几年时光一样，中间要反复推敲反复琢磨，才能达到结构和美的功能的结合，这种奢侈，已经不是在做家具，而是完成一种文化的传承。《长物志》：感官主义者的宪法明代著名画家文征明的曾孙文震亨的《长物志》，成为明代以降文人生活的范本，他指出，不管是厅堂、亭台还是私房秘室，都是繁简不同寒暑各异的，即使是图书碑帖、鼎彝之类的古玩，也必须安排得妥帖了才会显出它们各自的极致来。他对细节的沉溺，将感官主义发挥到极致。关于坐几： 坐几摆放要靠左边向东，不挨窗户，以免风吹日晒。坐几上放旧砚台，笔筒，笔架，贮砚水的水盂。砚台放左，墨汁反光不会直射眼睛。几上要放书籍一部，镇纸石一块。坐几经常擦，光可照人才好。关于坐具：湘妃竹榻和禅椅都可以。冬天铺上用锦缎制成的缛子，当然有虎皮更好。关于香炉：书房几案上放一张四方大台几，上放香炉，大香盒，小香盒，瓶。大香盒里放生熟香料，小香盒里面放沉香、香饼。不可用二脚香炉。不可把瓶与香盒相对排列。夏天用瓷炉，冬天用铜炉。关于花瓶：客厅放瓶要大，书房放小。瓶以铜瓦为贵，以金银为贱。不可有环，不能成对。春冬季用铜瓶，夏季用瓷瓶。瓶中插花要瘦巧。若插一枝，要挑枝干奇特古朴的。若插二枝，应高下和谐。插花不能关着窗户焚香，花被烟熏就枯萎了。关于椅榻屏架：放四把椅子一张坐榻，像古须弥座、短榻、矮几、壁几不妨多放些。不能靠墙平排放几把椅子。屏风只须放一架。书架和橱可并列，放图书古玩，但不可杂。关于挂画：挂画的位置要高，只挂一幅，如果挂在两边墙上，或左右对称，那就说不出的俗气了。长幅画可以挂在高的墙壁上，桌上放些形状奇特的石头，或应时的鲜花盆
景之类，但不要放朱红漆架等物。客厅适宜挂大幅的横披，书房宜挂小幅的花鸟或者风景，像扇观、斗方挂屏之类的，就不是太好。关于卧室：卧榻后最好留出半间房大的空间，放置熏笼、衣架、梳洗用具、箱柜衣橱和书籍灯烛等。榻前一只小茶几，二只小方凳，一张小橱，放香药和玩器。最好在墙上打一个洞，放一张壁床，朋友来了好连床夜话。关于敞室：夏天，住敞室里，把窗户全卸掉，可看到屋前竹林和屋后梧桐。敞屋中放一张木几，两边放没有屏风的长榻各一张。北窗下放湘妃竹榻，边上茶几上放大砚台，一个青绿色的水盆，再放一两盆剑兰在边上。如果有奇峰古树、清泉白石这样的盆景也是好的。明朝：最后一个衣裙飘飘的年代丰茂芳每天出门都要穿明式襦裙，她不是一个现代美女，但在街上，却有百分之百的回头率。在印象中，穿宋明衣裙的女子应苍白脆弱如花瓣，但她有却健康爽朗的美，也许更接近汉族昌盛年代的女子。2006年8月，在网上看见汉服新闻后，丰茂芳整整两天没睡觉，沉湎于汉服论坛中不能自拔。每个女孩都有仙女梦，对小丰来说，这已是现实。作汉服、学古琴举办各种活动，QQ里有上千名汉服联谊组织者名字⋯⋯组织各种汉服活动让她无法专心工作，干脆辞职。据她观察，热衷汉服者平均年龄25岁，比起70年代爱好者，他们更有行动力，也更现实。进入这个世界，她知道汉服延续了3700年，在清军入关后，被禁绝了300年，汉人失去自己的民族服饰，也开始迷失之旅。全世界那么多民族，很多没有语言，但没一个民族没自己的衣冠，只有汉人失去了。什么叫华夏？《左传·定公十年》孔颖达《疏》中说：“中国有礼义之大，故称夏；有服章之美，故谓之华。”古人如果尸骨无存，悼者会埋葬其衣冠，谓之“衣冠冢”。小丰当然喜欢穿汉服到处拍照，只是不太喜欢那些仅满足于此的人。每晚9点，群里人都一起通过语音朗诵《诗经》，他们经常周末聚会一起学习经典，他们追求的不是自恋的衣裾，而是一种魂魄的回归。对孙异而言，穿上汉服，来自一个外国友人的刺激，她看了“春晚”后问孙：“你们56个民族都有自己的服饰，为什么汉人穿西装？你们以前穿什么？为什么不穿了？”中学历史上有一段写拓拔开始和汉人通婚，使用汉姓，用汉人典章制度等等，最后这个民族就消失了。那时他还很自豪，现在他忽然醒了，拓拔民族遭遇的，正在汉族人身上发生。我们的服饰、典章制度甚至名字和语言都全面西化，很多时候，我们失去了自我存在感。日本人在人生重要时刻、在重大日子里都会穿上和服，和服让他们有一种强烈的民族认同感和归属感。有人说中国人一盘散沙，原因何在？其实衣冠就是文化的皮毛，皮之不存，身将何在？后来孙异写了《重回汉唐》，一个月就有10万点击量，无数跟贴，很多人都说自己激动得哭了。孙异写这首歌时也大哭一场，四川大学生物系毕业的他，走上歌手之路后，一直在思考一个问题：这个世界怎么了？美国强大的是罗马帝国式的征服与扩张，但这种征服文明在恐怖主义面前失灵了。其实世界上还有另一种不扩张的强大文明，它的内敛是开放，它的开放是和谐。东方文明才是这个世界问题的解药。穿上宽衣博袖的汉服时，宽松让你不再压抑；衣服牵扯着你，无法做出激烈举止，谦谦君子风度竟那么容易做到了。穿这样的衣服怎可能没有礼仪？理解自己的民族，不穿上它，永远都隔一层障蔽。孙异不喜欢周杰伦R&B风格的念白。“它失去了中国人的语感。美国黑人那么念是因为他们平常说话就那么说，很自然，中国人平常这么说话吗？这种背离中国语言的歌曲，其实反映的就是文化的迷失。我们不仅尸骨无存，甚至连衣冠冢都无迹可寻了。”明朝解梦：感官主义的盛宴明朝分为两个时期，明朝中期以前和其他朝代大同小异，迁都、郑和下西洋等等丰功伟绩，和其他朝代的气质差不多。到中期以后，明朝就进入了一个神奇的时代，空前绝后。当地球另一边资本主义开始萌芽，将理性主义发挥到极致；在这个孤独的大陆上，内向的中国人开始了新的进化，他们诉诸直觉，将感性精神发展到巅峰。这个时代，你的感官变得极端重要，明人用感觉器官营造了一个有别于世俗世界的精微、典雅的感官世界。在这个世界里，一个人凭着他的感官的触觉就能在人群中找到他的同类，品茶（味觉能力）、焚香（嗅觉能力）、玩古（视觉以及其他能力）等风雅事成为文人雅士标签。感官能力已成了社交符号，认同或者区分的文化标记。他们饮酒，喝茶，沐香；做一个小小的闲官，喝一点儿暖胃的小酒，发点小牢骚，生一场小病，做几篇小品文；三日一小聚，五日一大宴，你方请罢我复请，再不济也要弄只装满酒和书的船，东飘西荡随水流转。“到处名山，随缘福地，也不枉了眼耳鼻舌身意随我一场也。”（张大复语）享乐主义者袁中郎把世间人分成四种：不把现实放在眼里的玩世者，超脱现实的出世者，调和现实的谐世者，从现实中追求享乐的适世者。他最喜欢的是第四种人：适世者——“于业不擅一能，于世不堪一务”，是天下最无关紧要的人。他们做和尚，戒行不够；做儒生，嘴里从不讲儒家经典，也不做什么仁义谦让这种事；做官不像官，务农不亲躬，隐居不安寂寞，出仕又嫌繁琐，为儒不读圣贤，信佛六根不净，修真又不忘好色。只要他是感觉主义者，一切就OK。在这里，一个人的感官能力发达与否成了他是否能进上层社会的关键。他们试图退行到儿童时代那种透明的“纯真”世界，似乎整个世界都不过是一场游戏。文雅生活不仅是空间性的，更是时间性的，最高层次的趣是完全出乎自然的“童趣”。文震亨是明大画家文徵明的曾孙，在《长物志》中以将明代文人的精致生活阐释到极致。书共有十二卷：室庐，花木，水石，禽鱼，书画，几榻，器具杂品之属，位置，衣饰，舟车，蔬果，香茗等。“长(zhànɡ)物”就是多余的物，即奢侈品，但文人就是要藉这些无用的“长物”建起全部的精神生活。但如此如诗入画的时代为什么就灭亡了？他们的探索刚刚开始，却半途而废了。感性主义发展到巅峰，就开始被野蛮而强大的理性主义所俘虏，清廷的文网，让文人失去了生机勃勃的精神力；近百年的民族危亡，更让中国人试图全盘复制西方的各种问题和主义，但中国人乃至世界正在渐渐发现，或许那个充满了感觉的时代，才是更符合人性的，更高级的进化方向。图片中优雅的明朝昆曲形象，和受满清文化追捧的的京剧形成鲜明的对比。这是一张暗示了文化、历史、政治和民族问题的照片。

最好不要剪，鹦鹉的嘴叫“喙”，“喙”是鸟类吃饭的家伙什，鸟类在摄取食物的时候，就靠“喙”来完成的，平时为了保护“喙”，无论是鹦鹉还是其它鸟类，都会在树杈上磨合自己的“喙”，人工繁殖条件下，要给鹦鹉提供树枝或者软的木头，让鹦鹉自己嗑咬，这样才不会产生“喙”下边或者上边长长的畸形情况，一家之言仅供参考。

虎皮鹦鹉长癣可以繁殖。虎皮鹦鹉的繁殖：一、配对配对的种鸟要健康，血缘关系较远，若是近亲交配，后代的个体变小，产卵孵化时，会产生死卵或死雏。虎皮鹦鹉在出壳后5～8个月发育为成鸟。从幼鸟变为成鸟的标志除了蜡膜颜色的变化外，还可以从头额部横纹的变化来看，幼鸟的头额具有黑色的横纹。当幼鸟头额的黑色细横纹消失后就可以配对繁殖。虎皮鹦鹉的繁殖能力强，在人工饲养条件下，四季均可繁殖，但以春秋两季较好。雌雄鸟交配后，雌鸟进入巢箱内就可以产卵，不会离开巢，完全由雄鸟来喂食。雌鸟隔一天或每天产卵，每窝产3～8枚，卵壳白色。二、孵化虎皮鹦鹉的孵化期为16～20天，完全由雌鸟孵卵。孵卵期间，全靠雄鸟叼食喂养，此时要喂食饲料，停喂发情饲料(金丝雀草种子和黍子为雌鸟的发情饲料)，雌鸟从产第一个卵后，即开始孵卵，以后边产卵边孵化。所以幼雏也是陆续出壳的。雌鸟在孵化期间，每天翻卵数次，并更换孵化方向。虎皮鹦鹉的卵也可用电孵化器孵化，在孵化温度38℃的情况下，18天可孵化出雏鸟。三、育雏虎皮鹦鹉为晚成鸟，孵出25天内不能独立生活，全靠成鸟喂食。当雏鸟孵出后，雌鸟整天守护着雏鸟，雄鸟叼食喂雌鸟，雌鸟进入巢内再喂雏鸟。随着雏鸟的长大，雌鸟渐渐不在巢内，而是在巢外守望，以后逐渐离开巢一段时间，接着飞回。当小鸟基本全长羽毛或能从巢内探出头时，有的雌鸟除喂食外，有的已不再理会小鸟，有的开始交配，并寻找新的巢，开始准备下一巢的繁殖。雏鸟生长25～30天就可分窝独立生活。育雏期除主食饲料外，还要喂雏鸟饲料，即增加金丝雀草种子和黍子。青菜和水不可间断。出巢的幼鸟可集中放在一个较大的升笼中，笼内小食槽内放小米、稗子和黍子配合的饲料，也要加一些金丝雀草种子，让鸟儿在此充分增加体力。经饲养5个月就能下蛋繁殖。虎皮鹦鹉不洗澡，身上易生虱子，而黑暗的巢更是虱子的温床，甚至还会生吸血虫，以致造成母鸟停止育雏。防止的办法是，将巢进行预防消毒，可在箱的角落里撒上一些除虫菌，也可用敌百虫熏蒸，但浓度要小，以防中毒。首先分笼饲养，去药店买白凡士林来涂，早晚各一次，每次不要涂太多，然后一定要注意卫生，饮水要干净，最少每周洗笼一次，水盒每天清洗一次。估计要半个月才能痊愈。这个会传染给其他鸟的
追问我买了一种治癣的药膏，可以的吗？有照片：追答可以，但是没有白凡士林好，这个涂的时候不要太多，要不然让皮皮吃了可不好
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